ブラック・サバス「黒い安息日」

第14回名盤シリーズ
ヘヴィ・メタルの原点、ブラック・サバス「黒い安息日」
（1970年作品）



ブラック・サバスのファースト・アルバム。
メンバーはトニーアイオミ（g）、オジーオズボーン（vo）、ギーザーバトラー（b）、ビルワード（ds）の４人だ。

雨が降り雷が鳴り響く中、遠くで寂しげな鐘の音。
もうこの時点で、このアルバムが普通でないことがわかる。
そして、それらを引き裂くがごときリフが登場する。

重く、暗く、遅く、そしてホラーのように怖い。

私は今まで相当な数の曲を聴いているが、この曲ほど暗く重い曲を他に知らない。
オジーの狂人のようなボーカル、ビルのオバケが出てきそうなドラム、そしてアイオミの不気味なギターリフ。
実に斬新であり、今聴いても古さを感じさせないのはどうだ。
１３日の金曜日に発売されたこのアルバム、これを当時の人はどう思ったのだろうか。

衝撃的なのは表題曲だけではない。
「Ｎ．Ｉ．Ｂ．」も不気味なベースソロから始まるが、これもヘヴィでサバスらしい曲だ。
しかし、この曲では悲壮感漂いながらも、かすかに美しさが見え隠れする。
とくにギターソロだ。
何本かのギターがオーバーダブされているが、ところどころ、ハッとするほど美しい瞬間がある。

珍しくオジーのブルーズハープが聴ける「THE WIZARD」もいい。
ヘヴィなギターリフのバックは、ビルの破壊的なドラムワーク。
この曲を聴くとサバスの演奏力の高さを窺い知ることが出来る。
とくにリズム隊の強力さは、同時代のレッド・ツェッペリンと比較しても遜色ないのではないだろうか？
あまり演奏面で語られることのないサバスだが、元々はジャズやブルースを得意とするバンドだっただけあり、相当なレベルにあると思う。

また、サバスのブルースサイドを垣間見ることができるのは「WARNING」。
シンプルな前半部分、ここでのアイオミのギターはとても歌心溢れるソロを展開しており、ブルージーでとても味わい深い。
この曲の後半部分から、ギターを中心としたインストパートへと発展していく。
元々はインプロから発展したものだと思われる部分だが、こういった曲をアルバムに収録するのはある種の実験みたいなものだと思う。
これもバンドの実力がないとグダグダになってしまい勝ちだが、最後までだれることなく上手くまとめている。

ご存知の方も多いと思うが、アイオミの右手は、中指と薬指が途中から事故で切断されてなくなっている。
彼は左利きなので、ギターのフレットを押さえる側の手に大きな欠陥を抱えるのだ。
サバス・サウンドの要となる、ヘヴィで不気味なリフ、流麗なギターソロは、この不自由な手でなければ出てこなかったと言われている。

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ジョン・レノン「ジョンの魂」

第13回名盤シリーズ
実質ジョン・レノンのソロ・ファースト・アルバムともいえる「ジョンの魂」
（1970年作品）



「なんて重苦しいアルバムなんだろう」
これがこのアルバムを聴いた初めの感想だった。

このアルバムを初めて聴いたのは１５か１６の頃。
その頃ビートルズの楽曲は全て聴いたので、次は各メンバーのソロを聴きたいと思ってたのだが、ちょうどラジオでエアチェックした「Love」をとても気にいったので、この曲が収録されている「ジョンの魂」を買ったのだった。
また、実質的なジョンのファーストアルバムだったため、まだ内容としてビートルズ色が濃いんじゃないか、と予想したことも理由の一つだ。

とりあえず通しで最後まで聴き、そのヘヴィさに心まで暗くなって、少しこのアルバムを買ったことを後悔したと思う。
しかし、当時としては高価な買い物であるＬＰレコードは、失敗したからといってすぐ聴かなくなるわけにはいかない。
何度も聴いたら理解できるかも、という思いでとにかく聴き続けたところ、２/３くらいの曲は自分のお気に入りになったのだが、全てを理解するには若すぎた。

ロックとして必要最小限の楽器しか使わず（ときには生ギター1本で）、悲痛な歌詞を叫ぶように唄う一人の男ジョンレノン。
ここには、ビートルズというあまりに重いものを背負ってきたジョンの心の叫び、魂の叫びがある。
若くして母を亡くし、親友を亡くし、デビュー後は非人間的な生活を強いられたジョンは、最愛の妻ヨーコと出会うことによって初めて心の安らぎを得たのだろう。
ようやく心の中にたまっていたものを吐き出し、ここから新たな旅立ちをしようとしていたのかもしれない。

ここにはありのままの裸のジョンレノンがいる。
ビートルズでもなく、愛と平和の人でもなく、自分の内面を語る人。
自己を表現するのに多くの音は必要ない。
オーバーダビングもいらない。

個人的には母への思いをぶちまけた「Mother」、かつての自分へ語りかける「Remember」、そしてあまりにも美しい「Love」がお気に入りだ。

このアルバムの延長線上にあると言われる次作「イマジン」も良いアルバムなのだが、純粋さではこちらに軍配が上がる。
１０代の頃、理解しかねたこのアルバムも、ささやかながら人生経験を積んだ現在、どの曲も素直に体に染み渡っていくことに気が付いた。
少しは大人になることが出来たのだろうか。

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ルネッサンス「燃ゆる灰」

第12回名盤シリーズ
今回は女性ボーカルを全面に押し出したシンフォニック・プログレ・バンド、ルネッサンスの「燃ゆる灰」。
（1973年）



ルネッサンスは、元々ヤード・バーズのキース・レルフと妹のジェーン・レルフが中心となって作られたバンドだ。
しかし、何度もメンバーチェンジを繰り返し、71年にボーカルがアニー・ハズラムに変わってからは序所にメンバーも落ち着いてきて、セールスも好調になる。
今回紹介する「燃ゆる灰」は、アニー・ハズラムに変わってから2枚目のアルバムで、メンバーはアニー（vo）、ジョン・タウト（Key）、ジョン・キャンプ（b）、テリー・サリバン（ds）の4人。
このとき何故かギターのマイケル・ダンフォードは正式メンバーではないようだが、全曲で参加している。

アニー・ハズラム在籍時のルネッサンス、とくに『四季』あたりまでの作品はどれも完成度が高く、どのアルバムも「このアルバムがルネッサンスで一番好き」という人がいる。

彼らの楽曲の特徴は、妖精のように美しいメロディー、魅力的なボーカル、そしてクラシックとフォークをロックに融合させたプログレッシブなアレンジだ。
なかでも、その親しみやすいメロディーは、このバンドの最大の武器である。
当然、このアルバムも、自分たちの得意とする美メロを最大限に発揮させた傑作だ。
後のアルバムのように分厚いオーケストラはないが、その分アコースティックで素朴な味わいがあり、ボーカルラインを引き立てることに成功している。

また、ベースが力強いのもこのバンドの特徴で、このアルバムでもジョン・ウェットンやクリス・スクワイヤに負けないファズ・ベースを聴くことが出来、とくに1曲目「CAN YOU UNDERATAND」では、この独特のベースが暴れている。

コーラス・ワークが素晴らしいのも特徴と言えるかも知れない。
このアルバムでは「ON THE FRONTIER」でそのコーラス・ワークを聴く事が出来る。

そして紅一点アニー・ハズラムのボーカルを存分に楽しめるのが、シンプルな「LET IT GROW」や「AT THE HARBOUR」だ。
安定した歌唱力、伸びのある声、ロックボーカリストでありながら、美しく澄んだ声質は癒し効果さえ感じる。

自分たちの魅力を理解していてそれを伸ばす。
簡単なようでいてこれが出来ているバンドは意外に少ない。
しかし彼らは自分というものをよくわかっていて、けっしてコマーシャリズムに流されることなく傑作と呼ばれる数々の作品を残してきた。
『燃ゆる灰』はそんな彼らの初期の代表作であり、今も愛され続けている傑作なのだった。

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シン・リジィ 「ライブ・アンド・デンジャラス」

第11回名盤シリーズ
ツイン・リード・ギターが炸裂するライブ「ライブ・アンド・デンジャラス」
（1978年作品）



このロック史に燦然と輝く名作ライブアルバムが発表されたのは１９７８年のことだ。
シン・リジーはメンバー・チェンジが激しく、とくにギタリストの交代は頻繁だった。
有名所では、ゲイリー・ムーアやジョン・サイクスといったギター・ヒーローが在籍していたことで知られるが、全盛期といわれる時期にギターを弾いていたのは、スコット・ゴーハムとブライアン・ロバートソンの２人である。
個人的にはこの２人の組み合わせ、もしくはスコットとスノーウィー・ホワイトの組み合わせがバランスがよくて好きだ。
この「ライブ・アンド・デンジャラス」では、スコットとブライアンの組み合わせが楽しめる。

ウィッシュボーン・アッシュから影響を受けたと思われるツイン・リード・ギターでのハーモニー。
意外に強力なリズム隊。
そしてフィル・リノットの何ともいえない独特のメロディとボーカルが加わると、他の何とも似ていないリジー・サウンドが完成する。

このアルバムは、選曲も演奏も音質もよく、ツイン・リード・バンドの魅力が凝縮されている。
何といっても曲がいい。
ハード・ロックというジャンルには収まりきらない幅の広い音楽性があり、これはもう「シン・リジー」というジャンルとも言えるほどだ。

このアルバムでは「JAILBREAK」、「EMERALD」、「THE BOYS ARE BACK IN TOWN」など、初期の代表曲が収められている。
なかでも、とくに激しいギターが聴けるのが「EMERALD」だ。
寂しげでメロディアスなハーモニーの後、スコットとブライアンが交互にソロを弾き、次のブライアンのソロが殺気迫る勢いで弾きまくっている。
他には、少し地味ではあるが「SOUTHBOUND」、やさしいメロディがとてもシン・リジーらしく、哀愁のツインリードのハーモニーが素晴らしいし、ライブでの定番曲である「COWBOY SONG」もいい曲だ。

スローバラードも完成度が高い。
「STILL IN LOVE WITH YOU」だ。
少し大人っぽい雰囲気で、フィルが感情たっぷりに歌いあげる。
中間部のギターソロはブライアン。
珠玉のようなギター・ソロで、弾きまくるのではなく、メロディアスで艶のあるトーンが魅力的だ。
後半のギターソロはスコット。
ゆったりしたチョーキングビブラートが素晴らしく、実に味わい深いと思う。

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ザ・ローリング・ストーンズ「メインストリートのならず者」

第10回名盤シリーズ
数あるローリング・ストーンズのアルバムから私が選んだのは「メインストリートのならず者」だ。
（1972年作品）



１９７２年に発売されたこのアルバムは、ストーンズにとって初の２枚組アルバム（ＣＤは１枚）で、ファンの間では最高傑作との呼び声も高い。
メンバーはミック・ジャガー（vo）、キース・リチャーズ（g,vo）、チャーリー・ワッツ（ds）、ビル・ワイマン（b）、ミック・テイラー（g）で、最も人気が高いと言われるメンバーである。

このアルバムの特徴は、一言で言うと「ルーズな雰囲気」だ。
当時のストーンズは、ルーツ音楽を目指していたといわれる。
なので、ブルース、カントリー、フォークタッチの曲が多く、派手なロックンロールは少ない。
このアルバムで代表的な曲といえば「Tumbling Dice 」だと思うが、これがまた、なんとも言えないだるいノリで、リラックスした雰囲気なのである。
この曲は現在のストーンズのライブでも、重要なレパートリーとして必ず演奏されるが、このアルバムの雰囲気をもっとも表現している曲だろう。

いわゆるキラーチューンが曲がなく、全体を通して流れる、ルーズな空気感、これぞこのアルバム、およびストーンズの味ではないだろうか？
最初はとっつき難いアルバムかもしれず、これからストーンズを聴こうとする人には薦めにくい。

しかし、じっくり聴き込むほどに良さが滲み出てくるアルバムだと思う。

どの曲も捨てがたい魅力があり、これだけの曲が入っているのに捨て曲はなし。
「Sweet Virginia 」、「Sweet Black Angel 」、「 Let It Loose 」、「Shine A Light 」の哀愁漂うメロディ、枯れた味わいは他では中々聴けない。
また「Shake Your Hips 」、「Casino Boogie 」、「Turd On The Run 」、「 Ventilator Blues 」などは、ストーンズ流ブルースであり、彼らの内面に秘めた黒さが出ていると思う。
ストレートなロックナンバー「Rocks Off 」、「Rip This Joint 」、キースが歌う「Happy」もかっこいい。

現在のストーンズしか知らない人が聴いたら「なんじゃこりゃ？」と思うかもしれない。
しかし、肩の力を抜いて、このルーズなサウンドに身を任せてみよう。
この何か懐かしいような、切ないような雰囲気にはまると、抜け出せなくなるかもしれないから。

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