オールマン・ブラザーズ・バンド「アット・フィルモア・イースト」

第9回名盤シリーズ
今回はサザン・ロックの醍醐味が味わえる名作「アット・フィルモア・イースト」
（1971年作品）



メンバーはデュアン・オールマン（ｇ）、グレッグ・オールマン（key、vo）のオールマン兄弟を中心に、ディッキー・ベッツ（ｇ）、ベリー・オークリー（ｂ）、ジェイ・ジョニー・ジョンソン（ｄｓ）、ブッチ・トラックス（ｄｓ）の６人。
ツイン・リード・ギターにツイン・ドラムスというスタイルだ。
いわゆるサザン・ロックと言われるこのバンドは、ブルースをベースにした豪快なロックを演奏し、休む間もなくライブ演奏を繰り返していたのだった。
２年間で５００回、時には１日に４回ものステージをこなすタフさ。
彼らの悩みは、スタジオ録音では自分達の魅力を伝えることが出来ないという、ライブバンドにありがちな悩みだった。
そこで、フィルモア・イーストでのライブの模様を実況録音し、発売されたのが、この「At　Fillmore　East」なのだ。

このアルバムの発表前、デュアンはエリック・クラプトンの「レイラ・セッション」に参加しており、一躍有名ミュージシャンの仲間入りをしていた。
彼のギタープレイの特徴は、歌うように奏でるスライド・ギター・プレイだ。
このライブにおいても、彼のスライド・ギター・プレイが炸裂しており、とても歌心溢れるプレイを聴くことが出来る。
また、スライドだけでなく、通常のギタープレイも素晴らしいもので、決して速弾きやテクニックを駆使したりはせず、フレーズの一つ一つがムダなく生きており、長いソロも飽きさせない。

相棒のディッキー・ベッツも、負けじと味のあるプレイでデュアンと勝負している。
彼のギターの音色が、ブルージーでありながらも艶のある素晴らしいトーンで、次々に魅力的なフレーズを量産していくのだった。

彼らのライブ演奏は長く、このアルバムも２枚組というボリュームに対し、７曲しか入っていない。
前半はブルースのカバー曲を、後半は彼らのオリジナル曲という構成になっているが、４曲目「You　Don't　Love　Me」とラストの「Whpping　Post」の２曲は、たっぷり２０分前後の熱演だ。

このアルバムの聴き所は、まずは１曲目の「Statesboro　Blues」だろう。
いきなりデュアンのスライド・ギターから豪快な演奏がスタートする。
リラックスした中にも緊張感のある絶妙なプレイ、そして何よりも楽しそうに演奏しているのが伝わってくる。

ディッキー作のインスト曲「In　Memory　Of　Elizabeth　Reed」も名曲だ。
ラテン調のハーモニーパートがなんとも言えない味を醸しだしていて、アダルトな雰囲気さえ感じさせる。
ここでのデュアンのプレイは、熱く燃えるようであり、白熱したライブ演奏は、この日の観客を熱狂させるに充分な勢いがあり、まさに名演といっていい。
個人的には、この曲が一番好きだ。

現在このアルバムには、デラックスエディションと言われる１３曲入りのほうもあるので、これから聴こうという人はそちらを買ったほうがいいだろう。

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クリーム「クリームの素晴らしき世界」

第8回名盤シリーズ
若い3人の才能がぶつかる名作「クリームの素晴らしき世界」
（1968年作品）



クリームの３枚目のアルバムとして６８年８月にリリースされた本作は、彼らにとって初の２枚組アルバムだった。
ただその内容は少し変わっていて、１枚目がスタジオ作品、２枚目はライブ作品という変則的なものである。
当時２枚組アルバムというのは珍しく、値段も高価だったが、全米チャート１位になる大ヒットを記録した。

エリック・クラプトン（ｇ、vo）、ジャック・ブルース（b、vo）、ジンジャー・ベイカー（ds）というただならぬメンバーで構成されたこのバンドには二面性がある。
多重録音を重ね、実験性を織り込み、練りに練られたスタジオ作品と、３人だけによる演奏で、火花を散らすようなインプロビゼーションを繰り広げるライブパフォーマンス。
この両方の顔を、このアルバムでそれぞれ１枚づつに収めているだ。

１枚目スタジオ作品の冒頭を飾るのは、有名な「White　Room」である。
クリームを代表する１曲でもあり、力強いタムを多用したドラムワークとワウを使ったギター、自信に満ちたボーカル、それでいてポップな一面も覗かせる名曲だと思う。
この曲と６曲目「政治家」あたりは、いかにもジャック・ブルース作で、かっこいいブルースロックに仕上がっている。
ベイカー作の７曲目「Those　Were　The　Days」もカッコイイロックナンバーだ。

ここでのクラプトンだが、スタジオ盤では大人しい。
たしかに「Top　Of　The　World」や「荒れ果てた街」でのギターはかっこよく、ソロもかなり気合入れて弾いてるのだが、やはりジャック色が強いと思う。

２枚目のライブアルバム。
１枚目のスタジオ作品が９曲入ってるのに対して、こっちは４曲しか入っていない。
それも、歌のパートが極端に少なく、ほとんどがインストパートだ。
ここでは、１曲目のクロスロードでは３人平等な気がするが、あとの３曲はそれぞれのメンバーの得意技を披露した形態となっている。
まず、「Crossroads」。
いまや、アマチュア・ギタリストにとってのスタンダードとなったプレイを聞くことが出来る。
ロバート・ジョンソンのカバー曲だが、原曲からかけ離れて、こんなにカッコよく演奏するアレンジが素晴らしい。
３人が３人とも全力で演奏しているのが伝わる。
次の「Spoonful」。
クリームのライブでの演奏を最もよく表してる録音だ。
これも、元はブルースのカバー曲だが、完全にハード・ロックに変化している。
ここでのクラプトンは、現在では考えられないくらい弾きまくているのだが、リズム隊も負けじと必死になっている。
この曲で聴ける戦争のような演奏は、後のレッド・ツェッペリンを初めとする多くのロックバンドに影響を与えたことは間違いない。
ジャックのブルースハープを駆使した「列車時刻」、ベイカーのドラムソロを披露した「いやな奴」あたりはちょっと時代を感じさせてしまうのも事実だが。

現在のハードロック、ヘヴィメタルという音楽の基板を作ったのはクリームだと言われている。
ギブソン＋マーシャルの過激なギター・サウンド、ライブにおける演奏重視のスタイルなどは、それまでのロックになかったものだ。
ただ、ライブステージにおいて毎晩繰り広げられるインプロ大会に限界を感じたメンバーは、解散という道をたどる。

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ザ・ビートルズ「リボルバー」

第7回名盤シリーズ
再評価されつつある名作「リボルバー」
（1966年作品）



ビートルズのアルバムはどれも名作といえるが、一般的に名盤とされるのは「サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド」と「アビー・ロード」、そして今回取り上げる「リボルバー」の3枚だろう。

このアルバム発表と前後して、ビートルズはコンサート活動を打ち切り、レコーディングに専念するようになる。
この頃には、ライブ活動を続けるにあたり多くの問題があったためだ。

さて、このアルバムで注目すべきなのはジョージ・ハリソンの活躍ぶりである。
それまでジョージは脇役でしかない印象があったが、このアルバムでは3曲取り上げられている。
それもかなり個性的な曲だ。
中でも、4曲目の「Love　You　To」はインド音楽の影響が強く、それまでのロック・ミュージックとは全然違う印象を与える。
また、アルバムのトップを飾る曲がジョージの曲である点にも注目。
全ビートルズのアルバム中、ジョージの曲が1曲目に来るのはこのアルバムだけなのだ。
そして12曲目の「I Want To Tell You」。　　　　　
91年のジョージ来日公演のオープニングにもなった曲で、途中で入る、なんとも異様なピアノの響きが素晴らしく、私の中ではジョージの全作品中１、2位を争うほどである。

またこのアルバムでも、ポール・マッカートニーは天才メロディ・メーカーぶりを発揮している。
5曲目の「Here, There And Everywhere」は素晴らしいバラードだ。
まさに隠れた名曲で、ヘッドホンで聞くとダブルトラックのボーカルが左右に分かれていて、そのラインが微妙に違うのが面白い。
「Got To Get You Into My Life」は元祖ブラスロックとも言える曲だが、そのアレンジは後のブラスロックバンド、シカゴに通じるものがある。

そしてジョン・レノンだ。
この頃から、実験的な試みを積極的に取り入れるようになり、テープの逆回転や「どうやって録音したんだ？」といえるようなことをやっている。
とくにそれが顕著に現れているのは、ラストを飾る「Tomorrow Never Knows」だ。
これはサイケデリックというよりプログレといっていいだろう。
１９６６年という時代を考えると、あまりに斬新であり、テープの逆回転や、カモメ風ギター、イコライズ処理されたボーカル、リズムボックスのような同じパターンのリズムなど、さまざまな試みが実行されている。

このアルバムが発表された当時、それまでのアイドルとしてのビートルズが好きだったファンは離れ始めたそうだ。
それまでのパーティーソングでしかなかったロック・ミュージックを、アートにまで押し上げるキッカケになったアルバムなのだった。

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イエス「危機」

第5回名盤シリーズ
今回は1972年発表、イエスの代表作「危機」。
（1972年作品）



イエスは８０年頃一旦期解散したが、すぐに再結成し、今も現役のロックバンドだ。
曲単位では83年の「ロンリー・ハート」の大ヒットで知られるが、本来のイエスの持ち味は、長く複雑に構築された曲を完璧なテクニックで演奏するプログレッシブ・ロック・バンドである。
今回紹介する「危機」は、イエスの代表作であり、プログレの代表作でもある。
ちなみに、前回紹介したキングクリムゾンとイエス、ピンクフロイドの３つを３大プログレと呼び、ここにエマーソンレイク&パーマーを加えて、プログレ四天王と呼ぶ。

メンバーはクリス・スクワイヤ（ｂ、vo）、ジョン・アンダーソン（vo）、ビル・ブラッフォード（ｄｓ）、スティーブ・ハウ（ｇ）、リック・ウェイクマン（key）。
このメンバーが黄金メンバーと呼ばれますが、このアルバムを最後にドラムのビル・ブラッフォードが脱退しキング・クリムゾンに加入する。
後任は元プラスティック・オノ・バンドのアラン・ホワイトで、こっちのメンバー編成のほうを、黄金メンバーという人もいる。

このアルバムは３曲しか入っていない。
「Close To The Edge（18：50）」、「And You And I（10：09）」、「Siberian Khateu（8：57）」と長い曲ばかりだ。
この後イエスはさらに大曲路線を推し進め、次作の「海洋地形学の物語」では2枚組で1曲4楽章というのを作るのだった。

まず1曲目の「Close To The Edge」。
いきなり混沌とした、一見アバンギャルドな演奏からスタートするが、ボーカルが入るとポップな一面ものぞかせる。
後にスティーブ・ハリスなど、多くのベーシストに影響を与えたスクワイヤのベースが、ギターとキーボードが絡みあい、うねるようなリズムを作り出す。
途中ウェイクマンのパイプオルガンを使った壮大なパートや、メンバーが一丸となって進むハードロック的なパートもあり、長さを感じさせない。

2曲目「And You And I」。
イエスのライブで、もっとも多く演奏されてる曲の一つだ。
ハウの綺麗なアコギからスタートする。
親しみやすいメロディ、しかしアレンジは複雑で、とっつきやすいけど飽きない曲作り、このアルバムが今も多くの人に聴かれるのは、そういう親しみやすさと複雑さがうまく共存してるからだろう。

3曲目「Siberian Khateu」
ライブのオープニングでも使われる曲で、それに相応しく、リズミカルでポップだ。
ここでハウはエレキ・ギター以外に、エレキシタール、スティール・ギターを弾いているが、ライブでも3種の楽器を使いこなし、レコードの音を再現する。

このアルバムは典型的なプログレ形態の一つだ。
プログレ＝キング・クリムゾンの人と、プログレ＝イエスの人では意見が違うと思うが、現在のドリーム・シアターなどに引き継がれてるのはイエス・タイプのプログレが多い気がする。

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イーグルス「ホテル・カリフォルニア」

第5回名盤シリーズ
ウエスト・コーストを代表するバンドによる大ヒットアルバム「ホテル・カリフォルニア」
（1976年作品）



このアルバムは、名曲「ホテル・カリフォルニア」1曲だけで、すでに買う価値のある作品だと思う。
他の曲も傑作であり、捨て曲など存在しないが、やはりこの1曲が持つパワーには並々ならぬものがある。

元々イーグルスはカントリーテイストの強い、ある意味、典型的アメリカン・ロック・バンドだった。
アコギを中心としたギター・サウンド、澄んだハーモニー、バンジョーやカントリーリックを用いたギターソロ、それがカラッと乾いたサウンドで聴かせてくれた。
しかし、メンバーチェンジと共にロック色が強くなり、カントリーボーイだったメンバーはどんどん都会的になっていくのだった。
同時期のドゥービー・ブラザーズほど極端ではないものの、最後のアルバム、「ロング・ラン」にはカントリー・タッチな曲は1曲も存在しない。
そういった流れの中で、ターニングポイント的な位置にあるのがこのアルバムだ。

さて「ホテルカリフォルニア（曲）」だが、この有名なイントロを実際にギターで弾いてみると、どことなくカントリーな雰囲気があるのがわかる。
それと後半のギターソロ。
ドン・フェルダーとジョー・ウォルシュが交互にソロを弾き、最後はアルペジオフレーズでハモる、この構成はツイン・リード・ギター・アレンジの一つの模範だろう。
決してテクニカルなフレーズを弾くわけでもなく、チョーキングを生かした心に響く哀愁漂うブルージーなギターソロ。
コピーするのは容易いが、この味は出すのは難しい。

この曲のベースラインもいい。
ランディ・マイズナーのベースは少しファンキーなラインを弾いているが、最後のアルペジオのハモリパートになるとルート音の8分弾きに変わる。
この変化により、ラストの盛り上がり部分を劇的に演出しているのだ。
そして、ワンコーラス分終わると、再びファンキー・ラインに戻りフェイド・アウトする。
これにより静かにクールダウンしていくのだ。
これがライブの場合、解釈が変化する。
ハモリパートのワンコーラス目はファンキーラインで、２コーラス目に8分弾きに変わる。
これはフェイドアウトしない、ライブならではのアレンジなのだ。
こうすることにより、盛り上がりのポイントを後半に持ってきているのだった。

どちらかというとドンヘンリー色の濃いアルバムだと思うが、じっくり聴いてこそ味わいがある作品である。

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